JOSE HIGUERA -  Maler des Spanischen Realismus, geboren 1966

Seit seinen frühen Jahren zeigte er großes Interesse an Zeichnen und Malen, was seinen Lehrern in der Schule schon auffiel. Ermutigt sowohl durch diese Lehrer als auch durch seine Familie, und weil man ihm das nötige Material zur Verfügung stellte, um sein Talent zu testen, konnte Jose sein erstes Ölgemälde im Alter von 10 Jahren fertigstellen. Seine Großmutter entschloss sich, den kleinen Jose einem ansässigen Künstler anzuvertrauen, der ihm erstes Wissen um die Maltechniken der spanischen Landschaftsmalerei beibrachte. Trotzdem ist anzumerken, dass Jose sich das meiste Wissen und Können selbst als Autodidakt erarbeitete. Dies durch den naturgegebenen Einfluss seiner Kreativität, durch die er letztlich seinen eigenen Stil in seinen Werken fand. Der Realismus bildet die Basis in all seinen Bildern.

Seine ersten Ausstellungen erweckten rasch das Interesse sowohl der Kritiker als auch des Publikums. Dass er sehr schnell auch Werke verkaufen konnte, spornte ihn weiter an, seinen künstlerischen, aber nicht immer leichten Weg als Maler professionell weiterzugehen.

Diese Verkaufsstrategie in Zusammenarbeit mit der ART GALERIE und dem AUCTION HOUSE OF MADRID gab ihm die Möglichkeit, wichtige Kontakte zu knüpfen, um zukünftig ausschließlich als Maler tätig zu sein. Somit konnte er seine Werke in verschiedenen Ausstellung in  Spanien, den USA und im asiatischen Raum präsentieren.

Im Moment lebt er in Cantabria im Norden Spaniens, wo er weiterhin in seinen Arbeiten dem charakteristischen Realismus treu bleiben kann.

REALITÄT IST EINE QUELLE DER KREATIVITÄT

Die Kriterien, nach denen ein Künstler seinen Weg findet und geht, sind nicht immer klar definiert, nicht einmal für den Künstler selbst. Es gibt so viele schwer zu steuernde Umstände, die von inneren und äußeren Bedingungen beeinflusst werden, die den kreativen Prozess fortführen zum Ziel eines inneren Verständnisses, was wir eben erzählen und ausdrücken wollen. Das ist nicht immer das, was wir erreichen können, denn an einem Punkt des Schaffens hat man plötzlich den Gedanken, den man am Beginn der Schaffensperiode – von dem man ausgegangen ist – vergessen , resultierend aus den vielen neuen Gedanken und Ideen des Arbeitsprozesses, die einen vom Wege zum Ziel beeinflussen.

Die Sprache der Malerei ist so umfangreich wie die Kreativität selbst. Aus diesem Grund sollte die Wahl des Ausdruckes am Anfang des kreativen Schaffens nicht auf einen bestimmten Punkt gerichtet sein, sondern in jede mögliche Richtung offen sein. Er sollte frei von gleichmütigen kulturellen Trends oder einseitigen Strömungen sein. Diese letztgenannten Einschränkungen ermöglichen letzten Endes Abweichungen im  Schaffensprozess, aber wenn man sich im großen Maßen davon verabschiedet, dann entsteht in der Improvisation der individuellen Kreativität das, was am Ende Kunst in seiner edelsten Vollendung sein kann und gleichzeitig im Weiteren die eigene Kunst bereichert.

Der Realismus ist meines Erachtens der Weg mit dem sich der Betrachter letztlich am meisten identifizieren kann.

Die Kraft des Expressionismus und  die immense Fülle an Farbschattierungen wohnt dem Realismus inne. Das ist es, was in meinen Augen Sinn macht und mein Interesse erweckt. Der Kampf gegen die Zeit, gegen die Farben, gegen die Formen und die  Bewegung die ich versuche sanft zu geben, sowie der andauernde Versuch etwas zu Wege zu bringen, das die Realität auf der Leinwand gegenüber einem einfachen Foto entgegen setzt, macht das Malen aus – in meinem Fall mein Leben, welches ich der Kunst gewidmet habe.

Ich bezeichne mich nicht als akademischen Maler, da sie mir zu wenig Spielraum für das Experimentelle lässt. Ich orientiere mich an den heutigen, aktuellen Kunst, denn ich brauche das Spielerische und Experimentelle. Meine Bilder beginnen mit einem Pinselstrich und jeder Pinselstrich ist eine Linie; ein Punkt ist für mich eine verkürzte Linie oder auch der Anfang für eine Linie.

In unserer Sozialisation, angefangen mit der Geburt sind viele Lebenslinien schon vorgegeben. Wir werden bestimmt und geleitet von Regeln, Bestimmungen, An- und Verordnungen, Gesetze, Erziehung und Bildung. Diese Vorgaben muss jedes Individuum durchlaufen; es sind lineare Prozesse zwangsläufig im Lebensverlauf. Lebenswege können durchbrochen werden wenn man sie verlässt und aussteigt, aber damit beschreitet man auch schon einen neuen Weg.

Es entsteht ein neuer linearer Prozess. Auch ist es nicht möglich ohne Konsum zu leben, irgend- etwas konsumieren wir immer, ( lineare Konsumwelten ) aus diesem Prozess können wir nicht heraus. Jeder Mensch hat in seinem Habitus bestimmte Rituale die er bewusst oder unbewusst immer wieder verfolgt und anwendet. ( Pierre Bourdieu ) Es ist unmöglich sich einem linearen Prozess zu entziehen. Ich habe es mir zur Aufgabe gemacht diese Liniarität in meiner Kunst als Linearismus in unterschiedlichen Darstellungsweisen zu verarbeiten, denn lineare Prozesse bestimmen unser Leben.

Bei meinem Stil "absoluten Linearismus" lasse ich der Geradlinigkeit keine Chance. Ich ziehe mit einem befestigten Pinsel an der Spitze eines Floretts Linien über eine Leinwand und schaffe durch die Beweglichkeit der Klinge meinen eigenen physischen Automatismus. Mein Stil "extremer Linearismus" zeichnet sich durch kreisende Linien die ich über das Blatt ziehe aus. Es beginnt mit kreisenden Bewegungen des Stiftes, um das Motiv zu gestalten, verdichte oder vergrößere ich diese Bewegungen und zeichne auf diese Weise das Motiv. Das Bild bekommt dadurch eine bewegende Dynamik.

Der Linearen Reizüberflutung mit Konsumgütern setze ich meinen "konsumtiven Surrealismus" entgegen. Konsumgüter stehen als Metapher für menschliche Gefühle und Erlebnisse. Im Gegensatz zur Pop Art kreiere ich mit meinen Konsumgütern surreale Bildwelten und teile ihnen eine neue künstlerische Aufgabe zu.

Nach jahrelanger Beschäftigung mit der Linie eine persönliche Anmerkung zum Abschluss: ob Schicksal oder Fügung, ich bin in einer Straße mit dem Namen LINIENWEG in einem Dorf in Ostfriesland aufgewachsen.

“Ich bin kein Künstler, ich bin ein Zerstörer”

Das Weiß einer Leinwand oder eines Zeichenpapiers ist die reinste Farbe die ich mir vorstellen kann, und wenn ich dann mit Pinsel oder Stift diesem Weiß mein Motiv aufzwinge wird diese Reinheit zerstört, folglich bin ich kein Künstler sondern ein Zerstörer.

Wenn die Leute sagen “Sie können aber schöne Bilder malen”, dann Antworte ich immer “Ich kann keine schönen Bilder malen, nur interessante”

“Sinnloses und Nutzloses interessant zu gestalten, dabei könnte es sich um Kunst handeln”

“In der manischen Phase kann ich maßlos übertreiben und ich mache Dinge die ich normalerweise nicht kann”.

Copyrigt: Michael Kaphengst

Malen bedeutet für mich in ein Werk einzutauchen und mich dann ganz von meinen Ideen und Gefühlen leiten zu lassen. Meine Malerei ist mein Spiegel, mein Counterp ART. Ich lebe und arbeite in Hanau. 

Geboren und aufgewachsen bin ich in einer baden-württembergischen Kleinstadt, in der Weinanbau eine große Rolle spielt. Schon in meiner Jugend verbrachte ich meine Freizeit mit der gegenständlicher Ölmalerei.  Leider musste ich die Ölmalerei aufgeben, da ich den Geruch der Farben und des Terpentins nicht vertrug.  Nach meiner Tätigkeit als Sekretärin und im Anschluss an mein Studium der Sozialen  Arbeit (B.A.  UAS) 2015, nahm die Malerei immer mehr Platz in meinem Leben ein, sodass ich seit dieser Zeit täglich male. Schon seit meiner Kindheit bin ich ein Autodidakt. Damals brachte ich mir die Sütterlinschrift bei und einiges mehr, heute dient das autodidaktische Lernen der Malerei. 

So begann ich schon vor einigen Jahrzehnten  Fachliteratur über Malerei  und die Techniken der Malerei zu lesen und später auch über das Internet. Inspiriert von internationalen Künstlern, hier vor allem die Impressionisten,  begann ich mich kreativ weiter zu entwickeln und habe auch in experimenteller und abstrakter Malerei weiter experimentiert, um neue künstlerische Techniken für mich zu entdecken. Meine Malerei zeichnet sich durch Detailstärke und Facettenreichtum aus und auch die vielfältige Möglichkeit  an Malmittel und Malgründe setze ich dazu ein. Acryl.- und Aquarellfarben, Pastellkreide, Tinte, Tusche, Linoldrucke und einige mehr, werden nach Bedarf eingesetzt. Meine Bilder sind kennzeichnend durch ihre farbenfrohe, fantasievolle und mitunter auch lebhafte Darstellung. Meistens werden von mir Tierbilder oder Tierportraits gemalt, aber auch Menschen in ihrem kulturellem  Umfeld, Pop Art,  um nur ein paar der Malstile zu nennen, die von mir angewandt werden. 

Oto Rimele ist Maler, visueller Künstler, Autor mehrer Rauminstallationen, Musiker und Universitätsprofessor.

Seine Arbeiten könnten wir als »Spirituellen Minimalismus« bezeichnen, die inhaltlich mit dem europäischen Geist korrespondieren sowie mit folgenden Autoren: Mark Rothko, Anish Kapoor, James Turell, Bill Viola, Arvo Pärt.

Seine Bildnisse konstruiert er derart, dass sie das Lichte der Farben erstrahlen lassen. Sie sind inhaltlich präzise in den Ausstellungsraum plaziert und erreichen ein Erschaffen der immateriellen Farbkommunikation: seine Bilder und Objekte ermöglichen, dass die Helligkeit im Raum übergeht in eine Helligkeit des Abbildes,  welches danach an den Wänden reflektiert wird und sich wie eine Aura ausdehnt.

Der Künstler versucht mit seinen Rauminstallationen, in die er oft auch eine Klangkomponente einfügt, einen Zustand des visuellen Abbildes zu erreichen, dass in Interaktion mit dem Zuschauer und dem Raum einen Zustand der Ganzheitlichkeit erreicht:  sein künstlerisches Abbild dient dazu, dass der Zuschauer sich endlich wieder selbst bemerkt und in die Dimension des Immateriellen eintreten kann.

Im Jahr 2204 war er Preisträger des Prešeren Preises, den er für seine Ausstellung Iluminacije  in der Kirche des ehemaligen Zisterzienserklosters in Kostanjevica na Krki erhielt.

Im Jahr 2012 erschien eine  zweisprachige Fachmonographie mit dem Titel »Oto Rimele: Duhovnost materialne odsotnosti / Spirituality of material absence«, Autor der Monographie mit 124 farbigen Seiten ist Dr. Jure Mikuž.

Mehr Informationen finden Sie  auf seiner Hompage: 

http://www.otorimele.com/sl/

Rimele über sein Werk:

"Im Zyklus der 13 Bilder »Berliner Porträts (1961-89)« habe ich die Feststellung realisiert, dass Immaterielles und Spirituelles im Menschen nur durch die Verwendung immaterieller, optisch verborgener malerischer Ausdrucksmittel dargestellt werden kann.

Alle dreizehn malerischen Objekte – Porträts sind während meines Aufenthalts im Oktober 2018 in der Künstlerresidenz der Republik Slowenien in Berlin entstanden. Jedes malerische Objekt ist in Proportionen, die durch die Höhe, Breite und Form des Objekts definiert sind, anders und autonom.

Der Ausdruck der malerischen Objekte wird neben dem unterschiedlichen Farblicht auch durch die Wahl der jeweiligen Holzart geprägt. Im Zyklus wurden nämlich 8 unterschiedliche Holzarten eingesetzt. Somit sind Monika, Walter und Günter eigentlich auch Birke, Kastanie oder Linde."